10 créatifs de conception AAPI sur la recherche de leur créneau, l'élaboration de leur avenir et le respect de leur passé

Les meilleurs espaces architecturaux sont souvent conçus pour être si discrets qu'ils se fondent dans leur environnement. Mais un sentiment similaire d'invisibilité peut rendre l'industrie étouffante pour ceux qui en font partie. Selon le National Council of Architectural Registration Boards (NCARB), seuls 6 % des architectes agréés aux États-Unis étaient identifiés comme asiatiques américains en 2020. Pendant ce temps, les données recueillies auprès du Census Bureau en 2019 montrent que 5, 93 % des architectes d'intérieur étaient asiatiques. C'est une raison fondamentale pour laquelle un groupe de créatifs américains d'origine asiatique et insulaire du Pacifique au sein de l'industrie de la maison et du design a formé l'AAPI Design Alliance nationale en mai pour le mois du patrimoine AAPI. « Nous voulons favoriser la collaboration, la visibilité et la représentation », explique l'architecte d'intérieur Jessica Davis, l'une des membres fondatrices du groupe, au sein d'une industrie qui manque cruellement de diversité.

Le véritable allume-feu pour le groupe était cependant quelque chose de bien plus grand que le monde du design : il s'est réuni alors que le pays connaissait une augmentation massive de la violence contre les membres de la communauté AAPI à la suite de la pandémie de COVID-19. Une étude montre qu'il y a eu une augmentation de 77 % des crimes haineux envers les Asiatiques entre 2019 et 2020, et il ne semble pas que la tendance ralentira de sitôt.

"C'était comme un moment charnière pour utiliser nos voix pour nous exprimer", souligne Jessica. Pendant la pandémie, elle a contacté son collègue architecte d'intérieur Young Huh au sujet de la création du groupe et a déclaré que le ballon avait rapidement commencé à rouler à partir de là. Ses membres fondateurs se sont maintenant agrandis pour inclure les éditeurs de design William Li et Benjamin Reynaert, l'architecte d'intérieur Jean Liu, le spécialiste des relations publiques en design Go Kasai et Joanne Hallare Lee, cofondatrice de Dowel Furniture.

C'est un mouvement important, et qui semble particulièrement difficile compte tenu du passé de la communauté du design. L'architecte new-yorkais Michael K. Chen explique à Clever qu'il entretient une relation complexe avec les notions de patrimoine dans l'espace de conception, en particulier lorsqu'il considère les limites dans lesquelles il travaille. "Une grande partie de notre travail est concentrée dans le tissu historique de New York et de la côte Est, et dans des contextes qui ont historiquement exclu les personnes qui me ressemblent", dit-il.

C'est une grande raison pour laquelle il rejette les "traditions" du design, qui, selon lui, sont si synonymes de la blancheur qui a dominé l'espace pendant si longtemps. Au lieu de cela, il utilise son art pour résister activement et défier le statu quo. Plus significatif pour lui est le travail collaboratif qui laisse place à la variation et inclut et magnifie les perspectives des autres. C'est « moins rédigé individuellement, plus texturé et plus ouvert », ajoute Michael. "Pour moi, le travail est plus convaincant lorsqu'il a une qualité distinctement diversifiée. "

Ici, nous avons discuté en profondeur avec Jessica, Michael et huit autres personnes AAPI dans le monde du design - des créatifs en architecture à la conception de meubles et aux intérieurs - qui aident à récupérer l'espace. Nous leur avons demandé comment ils avaient fait leurs débuts, comment leur travail était façonné par leur passé et comment ils espéraient faire de la place aux membres sous-représentés de la communauté.

Les citations ont été condensées et modifiées pour plus de clarté.

Un portrait de l'architecte primé Michael K. Chen.

Michael K. Chen

La boussole interne de l'architecte Michael K. Chen a pratiquement toujours été orientée vers l'art et le design. « Dès l'âge de six ans, j'étais plutôt passionné par l'architecture », explique-t-il. "Je faisais partie de ces enfants qui passaient des heures à dessiner et à fabriquer des choses dans ma chambre. " Après avoir fait ses armes dans des entreprises à San Francisco et à New York, il a créé sa propre entreprise en 2011. Depuis lors, Michael a remporté de nombreux prix et s'est hissé sur la liste Elle Decor A et la liste AN Interior top 50, se positionnant comme l'un des les voix les plus influentes du design urbain.

Pourtant, il y a eu quelques revers en cours de route qui ont beaucoup appris à Michael sur la façon de survivre (et de prospérer) dans le monde du design, comme l'incendie du studio, en 2017, qui a détruit «chaque dessin, chaque modèle, chaque livre à la place. ” Les trois dernières années lui ont également permis de se concentrer sur davantage de travail de plaidoyer par le biais de Design Advocates, un réseau à but non lucratif d'entreprises de design indépendantes qu'il a cofondé pour travailler sur des projets pro bono qui desservent les communautés dans le besoin, comme la population sans logement. « C'est l'un des faits saillants de ma carrière dont je suis le plus fier », ajoute-t-il.

Comment cherchez-vous à honorer votre passé et votre héritage dans votre travail ?

Quand je grandissais dans le nord de la Californie, la table à manger était au centre de notre vie familiale et sociale. Nous avions un million d'oncles et de tantes, et autant de dîners-partage chinois bondés et tentaculaires. La table était un espace d'inclusion et de communauté, ainsi que d'apprentissage et de préservation culturels. Dans la conception, nous nous délectons véritablement d'une juxtaposition bruyante similaire d'agendas et de voix, et nous travaillons à les amadouer dans de nouveaux états. Nous considérons les détails comme des moyens de réimaginer les contextes historiques et les traditions comme quelque chose de familier, mais nouveau - une façon de raconter de nouvelles histoires. Je pense souvent à la façon dont c'est, à bien des égards, le reflet de mon expérience d'être queer et d'enfant d'immigrants - parfois une partie de, et souvent en dehors de, ou autre.

Quel est votre espoir pour la prochaine génération de designers BIPOC ?

J'espère qu'ils maintiendront la pression sur nous autres. La quantité de changements positifs que nous avons constatés dans les disciplines du design au cours des dernières années, avant et pendant la pandémie, est inspirante et humiliante - du jugement mondial autour de la justice raciale, en 2020, aux jeunes générations qui stimulent le changement sur le front climatique .

Un portrait d'Atelier Davis et de la fondatrice de Nest Studio, Jessica Davis.

Jessica Davis

La décoratrice d'intérieur Jessica Davis a passé son enfance à vivre dans le monde entier, de l'Australie et de Hong Kong à Dallas et à Los Angeles, mais la ligne unique s'est profondément intéressée au design. "J'étudiais des livres de plans de maison et j'ai toujours pensé que je voulais être architecte", se souvient-elle. Elle a poursuivi un diplôme d'histoire de l'art avec un accent sur l'architecture résidentielle moderne et l'urbanisme à l'Université de Princeton, mais sa grande percée après avoir obtenu son diplôme a été un travail de production chez Home Again avec Bob Vila, ce qui l'a aidée à jeter un coup d'œil derrière le rideau des projets de rénovation domiciliaire et à imaginer exécutant ses propres dessins.

En 2012, Jessica s'est lancée seule pour lancer sa ligne de quincaillerie personnalisée, Nest Studio, après une recherche frustrante pour trouver des boutons et des poignées élégants pour ses projets de design d'intérieur. « Atteindre la barre des 10 ans, cette année, a été une étape importante », dit-elle. Aujourd'hui, elle dirige son entreprise de design d'intérieur, Atelier Davis, ainsi que Nest Studio, entre ses maisons en Géorgie et dans le New Jersey. Outre quelques projets en cours - d'un nouveau restaurant à Decatur, en Géorgie, à de nouvelles maisons de construction, Jessica attend également avec impatience son travail avec l'AAPIDA. "Nous espérons créer des liens à l'échelle de l'industrie qui peuvent aboutir à des collaborations et à un travail de conception encore meilleur", ajoute-t-elle.

Comment cherchez-vous à honorer votre passé et votre héritage dans votre travail ?

Je suis à moitié chinois et j'ai passé mon enfance à Hong Kong, qui est si diversifiée. Il y a tellement de styles de design et d'architecture, c'est un véritable creuset, donc j'ai l'impression que mon sens du design en parle vraiment. J'aime mélanger les styles et les époques. Je dirais qu'il se penche [vers] l'Asie autant qu'il se penche [vers] l'international.

Quelle est l'une des leçons les plus précieuses que vous ayez apprises et que vous voudriez transmettre à quelqu'un qui espère entrer dans le domaine du design ?

Soyez humble et essayez d'apprendre le plus possible. Beaucoup de gens pensent qu'ils peuvent tout simplement devenir designer, mais il y a tellement d'informations techniques impliquées. Évidemment, il y a l'apprentissage à l'école, mais il y a beaucoup à apprendre sur le terrain et sur le tas, et absorbé par des designers plus chevronnés, ainsi que par des ateliers spécialisés.

Arati Rao pose devant un mur de tapis tissés et jetés de sa compagnie Tantuvi.

Arati Rao

Ce qui aurait pu être une ornière de carrière pour Arati Rao était en fait le début de quelque chose de beaucoup plus significatif. En tant que créatrice de mode commerciale basée à New York au début des années 2000, Arati a commencé à être désillusionnée par le processus de production, ne sachant jamais qui était de l'autre côté d'un design qu'elle avait créé. Elle a donc démissionné et a passé huit mois à voyager à travers l'Inde, où ses deux parents sont nés, un voyage qui l'a aidée à renouer avec ses racines et à planter les graines de sa propre entreprise. Arati a lancé Tantuvi en 2015, une collection de tapis tissés et de jetés qui sont conçus non seulement comme décoration, mais aussi comme objets de famille modernes qui peuvent être transmis de génération en génération. Ses dessins, souvent un patchwork de teintes riches comme le safran et l'argile terreuse, se lisent comme une lettre d'amour à la mère patrie de Rao.

Même les pièces elles-mêmes, tissées par des maîtres tisserands de septième génération en Inde, qu'Arati décrit comme « les gardiens des méthodes artisanales culturelles de l'Inde », rappellent le passé, préservant un artisanat sacré. Arati travaille directement avec les artisans qui produisent ses créations et contribue à des fonds qui aident à répondre aux besoins des villageois locaux. C'est le même esprit de générosité qu'elle partage ici avec la communauté AAPI. L'année dernière, après la tragique fusillade d'Atlanta qui a coûté la vie à six femmes asiatiques, Arati s'est associée à Jenny Nguyen et Jean Lee pour organiser une collecte de fonds pour les familles des victimes appelée Design for ATL. L'initiative a mis à profit les talents de plus de 80 membres de la communauté du design, lors d'une tombola qui a permis de recueillir plus de 41 000 $ en moins d'une semaine. De ses propres espoirs pour l'avenir des designers du BIPOC, Rao nous dit qu'elle souhaite simplement "réussir et avoir le même espace et les mêmes opportunités" que tout le monde.

Y a-t-il des jalons de carrière dont vous êtes particulièrement fier ?

[Le moment] après notre premier salon en 2015, quand j'ai réalisé que nous avions quelque chose d'excitant à offrir. Je suis entré dans les tapis sans trop connaître le marché pour eux, donc c'était très encourageant d'avoir été bien accueilli.

Comment cherchez-vous à honorer votre passé et votre héritage dans votre travail ?

Être amérindien et travailler en Inde avec des artisans de l'industrie artisanale est incroyablement personnel. Bien que je ne sois pas originaire de cette région, nous partageons toujours un terrain d'entente. Je les comprends culturellement et certaines petites nuances qu'un étranger ne peut pas comprendre. J'ai travaillé avec une coopérative de tissage près de la maison ancestrale de ma famille, ce qui m'a semblé encore plus personnel lorsque j'ai commencé Tantuvi, et j'espère pouvoir recommencer un nouveau projet avec eux.

La fondatrice de Moving Mountains, Syrette Lew, se considère comme un "one-woman show".

Syrette Lew

L'agitation latérale a connu un certain boom pendant la pandémie, mais c'est celle que la designer Syrette Lew a commencé à perfectionner il y a plus de dix ans. Au début, elle suivait l'exemple des autres. Elle a étudié le design industriel et a déménagé à New York, en 2006, en tant que designer pour West Elm. En 2011, elle crée sa propre entreprise de design en tant que projet parallèle, en commençant par les sacs et les bijoux, puis en passant aux meubles. Trois ans plus tard, elle s'est finalement sentie suffisamment en confiance pour montrer son travail sur un stand au Salon international du meuble contemporain (ICFF) et à Sight Unseen Offsite, et le reste appartenait à l'histoire.

Syrette a lancé son studio de design basé à Brooklyn, Moving Mountains, peu de temps après - une référence à son éducation à Hawaï et aux archipels créés par le déplacement de la plaque du Pacifique - qui lui a valu de nombreux éloges pour ses sièges souples et sculpturaux et fantaisistes. , coloris Memphis-y. Elle s'est récemment concentrée presque entièrement sur les sièges rembourrés et est ravie de sortir de nouvelles pièces sur lesquelles elle est "assise depuis près de deux ans" (au sens figuré), ainsi que de lancer un petit projet de design d'intérieur avec Vonnegut/Kraft.

Mais elle est surtout fière et reconnaissante d'être toujours en affaires et de grandir chaque année, malgré la jonglerie entre la maternité et le travail de conception. "Je suis à peu près un one-woman show, donc tout ce que j'ai accompli, je peux dire que je l'ai fait par moi-même et selon mes propres conditions", déclare Syrette.

Comment cherchez-vous à honorer votre passé et votre héritage dans votre travail ?

Si vous me connaissez, vous sauriez que mon point de vue est celui de quelqu'un qui a grandi dans un environnement tropical panasiatique américain, car je suis un Américain d'origine chinoise qui a grandi à Hawaï. Je trouve mon héritage chinois, ainsi que la culture hawaïenne, inspirants, et en tant qu'enfant grandissant dans la métropole d'Honolulu, j'ai été exposé à une grande variété de cultures et de formes. Je pense qu'en partie à cause de cela, mon travail reflète une philosophie de conception assez large.

Quelle est l'une des leçons les plus précieuses que vous ayez apprises et que vous voudriez transmettre à quelqu'un qui entre dans le domaine du design ?

Tout le monde a un chemin différent et des idées différentes sur ce qu'est le « succès ». Je pense qu'à notre époque, il est difficile de ne pas se comparer aux autres, mais sachez qu'il existe un million de façons d'arriver là où vous voulez aller. Je parlerais à autant de professionnels que vous admirez que possible et j'apprendrais leur histoire. Je n'ai jamais fait ça mais j'aurais vraiment aimé. Cela vous aidera à faire des choix plus éclairés.

L'architecte d'intérieur Peti Lau qualifie son style de signature d '«aristofreak».

Peti Lau

Peti Lau a vécu de nombreuses vies dans le monde entier, de la Thaïlande et de l'île Maurice à Washington, DC et New York. Bien que Peti ait toujours su qu'elle était une personne créative, son parcours vers le design n'était pas une ligne droite. Elle n'a pas eu sa grande chance jusqu'à ce qu'elle déménage en Thaïlande dans la vingtaine et obtienne un emploi dans la conception d'un complexe hôtelier cinq étoiles. Par le bouche à oreille, elle a décroché d'autres projets, comme la conception d'une villa de luxe à Maurice. Elle avait 25 ans à l'époque et n'avait qu'à le ramasser au fur et à mesure et apprendre à imposer le respect. "J'étais petite et décousue, alors je savais comment faire en sorte que tout le monde reste concentré", plaisante-t-elle.

Depuis lors, Peti est retournée à l'école de design, est devenue célèbre sur HGTV Design Star, a travaillé sur une maison pour Alex Pall, membre de The Chainsmokers, et est devenue synonyme d'un style de design qu'elle appelle "aristofreak". Le terme est en constante évolution, mais elle explique que c'est une façon d'interpréter le passé et de tendre vers l'expression de soi. « Il s'agit de prendre la tradition d'où nous venons et de la rompre ou de redéfinir de vieilles idées », ajoute-t-elle. (La partie "monstre" consiste davantage à adopter une attitude intrépide face à votre travail. )

Peti aime que la conception soit un processus multicouche et compare les motifs de mélange à l'harmonie d'un accord. C'est une pratique sur laquelle elle peut constamment s'appuyer. Une partie de cela est structurelle, car Peti dit qu'il faut parfois faire plus pour obtenir une place à la table, mais cela semble également être un élément fondamental de l'éthique de travail de Peti, qui l'encourage à réinventer, explorer et toujours s'efforcer la maîtrise.

De nouveaux projets qui vous passionnent ?

Je conçois une fenêtre pour l'événement Legends de La Cienega Design Quarter ce mois-ci, dont le thème est l'état d'or de la Californie. J'ai décidé de mettre en lumière la communauté asiatique en Californie, avec des designers asiatiques contemporains tels que Robert Kuo, et j'y mets un code QR qui renvoie à l'AAPIDA, dont je suis également ravi de faire partie. C'est merveilleux de voir de plus en plus d'Asiatiques dans la communauté du design se rassembler et se soutenir les uns les autres. Nous avons tous une histoire et nous faisons tous ce voyage ensemble.

Quel est votre espoir pour la prochaine génération de designers BIPOC ?

Mon espoir pour la prochaine génération de designers BIPOC est que vous l'apportiez ! Concentrez-vous sur l'apport de votre voix, de votre vision, de votre culture et de votre ambiance dans le monde du design. C'est tellement important d'avoir de la diversité, parce que c'est ce qui nous fait grandir et « voir » plus. J'aime quand je vois d'autres designers faire quelque chose de différent et le partager avec le monde. Il continue d'étirer nos muscles de l'imagination. Comme l'a dit Diana Vreeland, "l'œil doit voyager".

Le designer Cliff Fong est l'un des plus grands noms d'Hollywood.

Falaise Fong

Le vétéran de l'industrie Cliff Fong est maintenant l'un des plus grands noms de la scène du design hollywoodien - son œil pour les intérieurs audacieux a été sollicité pour compléter les maisons de célébrités comme Ellen DeGeneres, Jason Biggs et Ryan Murphy - mais il n'a pas trouvé sa vocation dans le design qu'après une décennie passée à travailler dans la mode et les intérieurs. "Tout en travaillant dans la mode et en voyageant dans les capitales européennes, j'ai commencé à collectionner le design européen et scandinave du milieu du siècle", explique Cliff. "C'est devenu une obsession pour moi. " Des amis ont commencé à appeler pour obtenir des conseils sur la définition de leurs maisons, et tout a fait boule de neige à partir de là.

Matt Blacke Inc. , l'entreprise de design de Cliff's LA, est connue pour son approche high-low du design, mélangeant des pièces de luxe avec des antiquités réfléchies. Cliff a eu sa première grande percée, dit-il, lorsqu'un projet a été publié dans les pages d'AD. "C'était un grand honneur", se souvient-il. "L'ouverture de mon showroom, la Galerie Half, en 2006, m'a permis de mieux faire connaître mon travail et a permis à un public plus large de s'y engager physiquement. "

Depuis, il a apporté ses talents de designer à la télévision et a été juge et animateur du Ellen's Design Challenge, en 2015. Encore plus récemment, Cliff a été occupé à travailler et à voyager beaucoup (il fait allusion à des projets à venir dans le Maine et en Ontario, ainsi qu'à de récents travailler sur les salons privés de l'aéroport international de Los Angeles et un nouveau salon de cannabis appelé Fantom Flower. ) "Nous avons de merveilleux projets qui se terminent dans des zones rurales sur tout le continent", ajoute-t-il.

Quel est votre espoir pour la prochaine génération de designers BIPOC ?

Ce serait formidable d'être vu comme tous ceux qui contribuent à cette merveilleuse industrie et non comme une nouveauté ou une rareté. Bien que j'apprécie et soutienne certainement la conscience culturelle, j'aimerais penser que cela ne devrait pas être le motif principal qui attire quelqu'un vers le travail. La substance du travail devrait être la raison de l'intérêt.

Quelle est l'une des leçons les plus précieuses que vous ayez apprises et que vous voudriez transmettre à quelqu'un qui entre dans le domaine du design ?

Je pense qu'il est important de toujours se rappeler qu'il s'agit d'un service que nous fournissons, pas nécessairement un véhicule pour nos propres agendas créatifs personnels. Il y aura toujours des moments pour repousser un peu les limites et tirer le meilleur parti d'une opportunité créative. Mais je considère que mon rôle est d'aider les gens à tirer le meilleur parti de notre expérience ensemble, de définir la meilleure façon de profiter de leur maison et de créer quelque chose d'unique et de spécial pour eux.

Le designer Bowen Liu crée des meubles avant-gardistes pour l'avenir.

Bowen Liu

Bien que Bowen Liu soit encore une nouvelle venue dans le domaine du design, elle a sorti une collection prolifique de meubles depuis qu'elle a obtenu son diplôme du Rochester Institute of Technology, en 2016, avec une maîtrise en design de meubles. Sa première mini-collection après l'école, influencée par un été passé à Copenhague à perfectionner son art, était un assortiment de pièces délicatement incurvées de style scandinave, fabriquées à la main dans le nord de l'État de New York. Depuis lors, elle a lancé son propre studio basé à Brooklyn qui se concentre sur la production de meubles et d'objets artisanaux de haute qualité qui «rassemblent les gens», selon son site Web.

« Je m'intéresse au design et aux cultures du monde depuis que je suis plus jeune », dit Bowen. Elle est née et a grandi en Chine, où elle a suivi un programme de premier cycle en conception de meubles à l'Université forestière de Pékin, puis s'est consacrée à apprendre autant qu'elle le pouvait dans l'espace, en s'appuyant sur des études d'artisanat et une multitude d'inspirations, de Jay Gatsby à James Turrell—pour éclairer son travail.

Cette année, sa dernière collection Helle, nommée d'après le Hell Gate Bridge et axée sur la salle à manger, avec une élégante armoire en forme de vaisseau spatial et des chaises recouvertes de cuir de fruits, a déjà remporté un ICFF Award et un NYCxDesign Award. Un autre temps fort de votre carrière ? Faire sélectionner certains de ses meubles pour un magasin Louis Vuitton en Chine. "Je suis heureux que de plus en plus de personnes utilisent et expérimentent mes créations", déclare Bowen.

Comment cherchez-vous à honorer votre passé et votre héritage dans votre travail ?

Je n'ai pas intentionnellement pris en compte mon héritage lors de la conception, mais les meubles en bois ont une très longue tradition en Chine et j'en ai probablement été influencé sans même le savoir. Grandir en Chine a généralement une grande influence sur qui je suis, et avoir vécu et voyagé à l'étranger pendant près d'une décennie m'a également façonné, ainsi que mon travail. Mon objectif a toujours été le travail lui-même : être honnête avec les inspirations et les matériaux, garder l'esprit ouvert et créer des œuvres réfléchies, belles et fonctionnelles.

Quel est votre espoir pour la prochaine génération de designers BIPOC ?

Dans un monde parfait, j'aimerais que tout le monde se sente égal. Je crois que la diversité et l'inclusivité vont de pair avec la créativité.

La cofondatrice de Only Way Is Up (OWIU) Design, Amanda Gunawan, est sur le radar du monde des architectes depuis 2017.

Amanda Gunawan

L'architecte Amanda Gunawan n'était qu'une étudiante lorsqu'elle s'est inscrite avec désinvolture au concours de meubles qui lui a finalement valu une offre pour exposer son travail à la Paris Design Week. Ce fut une période passionnante, car juste après avoir obtenu son diplôme, en 2017, elle a également décroché son emploi de rêve au sein de la prestigieuse firme Morphosis. Lorsque l'offre de la Paris Design Week est arrivée, Amanda n'était qu'à quelques mois de son nouvel emploi. Mais elle avait entrevu son potentiel et était prête à le poursuivre ("Je ne voulais plus perdre de temps à hésiter"), et a fini par quitter tranquillement l'entreprise avec son associé, l'architecte Joel Wong, pour créer leur propre studio à 2018.

En pratique, Amanda dit que cet acte de foi "ressemble plus à d'innombrables nuits blanches à travailler sur un plan d'affaires et des recherches" qu'à un succès certifié, mais le travail acharné a porté ses fruits. Le couple a appris au fur et à mesure et a depuis agrandi sa société Only Way Is Up (OWIU) Design, lancé une nouvelle entreprise de construction appelée Inflexion Builds pour soutenir ses conceptions et lancé une gamme d'articles pour la maison et de meubles appelée OWIU Goods. .

L'un des plus grands projets d'OWIU à ce jour a été la conception et la construction d'un loft dans les Biscuit Lofts historiques de Los Angeles, le transformant en un espace serein d'inspiration japonaise qui a longtemps été répertorié pour un Dezeen Award. La prochaine étape ? "Nous lançons également un livre qui sera le premier de toute une série - tous ceux qui contribuent sont super talentueux, donc je suis vraiment ravi de voir comment tout cela se déroulera. "

Comment cherchez-vous à honorer votre passé et votre héritage dans votre travail ?

Tout mon travail de design jusqu'à présent a eu des influences asiatiques d'une manière ou d'une autre. J'ai grandi en Indonésie pendant les cinq premières années de ma vie, puis à Singapour pendant les 15 prochaines. c'est à travers mes valeurs et mes principes, mon approche du design ou mon travail lui-même.

Quel est votre espoir pour la prochaine génération de designers BIPOC ?

Qu'ils accorderont toujours la priorité à leur santé (à la fois mentale et physique). Malheureusement, les concepteurs du BIPOC ont tendance à s'efforcer un peu plus et à surcompenser en raison de la façon dont nous avons été élevés, ainsi que de notre position en tant que minorité. Et à cause de cela, il y a une telle négligence en matière de santé physique, et surtout mentale. Cela semble presque être la norme, mais ce n'est pas le cas et cela ne devrait pas l'être.

Liam Lee photographié dans son studio new-yorkais.

Liam Lee

Les œuvres de l'artiste et designer Liam Lee ont plus en commun avec un champignon qu'un meuble standard. Ses œuvres bizarres et texturées, qui sont fabriquées à partir de laine feutrée à l'acide et teintée à l'acide, font souvent référence à des choses qu'il a étudiées au microscope, des bactéries à la levure, et finissent par avoir un effet Rorschach. « Toutes mes pièces n'ont pas de titre, et j'aime les laisser ainsi parce que quelqu'un pourrait dire : 'Oh, c'est une fleur. C'est un cerveau », a-t-il déclaré à Curbed à la fin de l'année dernière.

Liam décrit son parcours vers le design comme "légèrement sinueux". En tant qu'Américain d'origine chinoise de sixième génération et Américain d'origine japonaise de quatrième génération, il est issu d'une longue lignée d'architectes, de peintres, de poètes et de photographes. « J'ai grandi dans un environnement créatif », dit-il. Il a d'abord étudié la littérature anglaise à l'université, mais s'est longtemps intéressé au design, occupant plusieurs emplois liés au design avant de démarrer sa propre pratique.

Son travail textile a commencé en 2018 en tant que passe-temps qui s'est transformé en une activité à temps plein lorsque la pandémie a frappé et qu'il s'est retrouvé au chômage, avec tout le temps pour y consacrer toute son attention. Cette liberté lui a donné l'espace pour «prendre des risques et pousser ma pratique dans une direction inattendue», dit Liam. Finalement, ses œuvres textiles à petite échelle ont cédé la place à des pièces tridimensionnelles qui ont été récupérées par la boutique du musée Noguchi, ont fait leurs débuts dans le cadre du stand de Patrick Parrish au Salon Art + Design de New York, et lui ont valu une couverture comme l'un des "Ceux à surveiller" d'AD. « Je n'ai commencé que récemment à expérimenter le potentiel sculptural de la laine, alors je suis ravi de continuer à travailler sur mes meubles », ajoute-t-il.

De nouveaux projets qui vous passionnent ?

J'ai hâte de travailler davantage avec la céramique car l'argile est un matériau tellement ludique et primordial avec lequel travailler. Les erreurs sont inévitables, donc d'une certaine manière, c'est très libérateur.

Quel est votre espoir pour la prochaine génération de designers BIPOC ?

L'industrie du design est encore un espace très blanc et j'espère que la prochaine génération de designers BIPOC aura plus de visages qui ressemblent au sien travaillant dans toutes les facettes de l'industrie. Je suis également enthousiasmé par les frontières de plus en plus diffuses entre l'art, le design et l'artisanat et j'espère que cela ouvrira plus d'opportunités aux personnes qui n'ont pas suivi une voie plus traditionnelle vers l'industrie du design.

Jing Liu est architecte et cofondateur de SO–IL à Brooklyn, New York.

Jing Liu

La passion de l'architecte Jing Liu pour l'art et le design n'a jamais été le premier choix de carrière que sa famille aurait choisi, une expérience à laquelle de nombreux Asiatiques travaillant dans un domaine créatif peuvent s'identifier. « J'étais bonne en maths et en physique, mais je voulais faire de l'art », dit-elle. "Ma famille pensait que je devais poursuivre une" profession "plutôt qu'un" passe-temps ", donc l'architecture était le compromis. " Maintenant, 14 ans après le début de la pratique de Brooklyn qu'elle a commencée avec son partenaire, Florian Idenburg, appelée Solid Objectives -Idenburg Liu (SO-IL), le duo s'est fait un nom dans des structures tactiles expérimentales qui aident à relier l'intérieur et l'extérieur. Les exemples les plus frappants incluent l'extérieur en cotte de mailles qu'ils ont conçu pour la galerie Kukje, à Séoul, ou la maison qu'ils ont construite à Milan avec une charpente métallique perméable.

Le couple a également réalisé un certain nombre de projets à travers le monde l'année dernière, notamment un projet de logements sociaux à León, Guanajuato, au Mexique, réservé aux familles gagnant moins de 7 000 dollars par an. Depuis la pandémie, ils se sont principalement concentrés sur des projets locaux, y compris des travaux résidentiels dans un rayon de deux miles de leur bureau, un nouveau campus d'art à East Williamsburg et une nouvelle maison pour la Brooklyn Music School. "Bien que la connexion avec le monde et le travail entre les cultures me manquent, il y a aussi une richesse à se connecter avec ses voisins", déclare Jing.

Même si Jing dit que jongler avec sa pratique, ainsi que sa vie familiale et universitaire a été un défi, elle est finalement apaisée lorsqu'elle considère son impact positif en tant que designer. « C'est gratifiant de pouvoir entrer en contact avec la jeune génération », explique-t-elle. "Penser à ce qui est important pour eux et avoir un petit impact pour façonner l'avenir. "

Comment cherchez-vous à honorer votre passé et votre héritage dans votre travail ?

Il y a tellement de choses dans mon expérience de vie et mon origine culturelle qui influencent implicitement ma façon de penser, comment je rêve de l'avenir et comment je communique avec les gens. Je pense qu'en créant, en conversant et en s'engageant avec le travail et le monde, beaucoup de choses sont déballées chaque jour. Je ne sors pas avec une bannière qui dit « chinois » et me mets dans une boîte, mais je suis toujours heureux quand j'apporte quelque chose de différent à la table et que j'enrichis la conversation avec ma voix et mon point de vue.

Quel est votre espoir pour la prochaine génération de designers BIPOC ?

Soyez là-bas! Apportez quelque chose de nouveau à la table. Nous en avons besoin.