Comment 11 créatifs LGBTQ+ conçoivent le monde dans lequel ils veulent vivre

Ce n'est un secret pour personne que le monde du design peut souvent être un espace exclusif dominé par des perspectives d'une seule note. En 2019, une enquête de Queer Design Count sur les créatifs travaillant dans l'industrie a révélé que 40 % des designers LGBTQ+ ont déclaré devoir signaler à leurs collègues les décisions de conception qui excluaient les personnes queer. Chez Clever, nous savons que le meilleur type de design provient de communautés qui valorisent la diversité des expériences, des origines et de l'identité.

Pour le mois de la fierté, nous voulions mettre en lumière un large éventail de personnes créatives à travers le spectre LGBTQ+ qui font leur propre marque dans le monde du mobilier, de la décoration et du design d'intérieur. Nous avons parlé à 11 créatifs de la communauté qui jettent les bases d'un nouvel avenir pour le design. (Pendant que vous êtes ici, découvrez le partenariat d'AD avec le Ali Forney Center, une organisation de New York dédiée à aider les jeunes LGBTQ+ sans logement. )

A portrait of the designer Guiselle Milanés.

Guiselle Milanes

Pour ceux qui recherchent un design contemporain épuré et futuriste, le travail de Guiselle Milanés est sûr de satisfaire. Comme l'indique son site Internet, l'inspiration de la designer costaricienne vient d'une « envie de créer des meubles qui peuvent être perçus comme sculpturaux, mais qui peuvent aussi être utilisés au quotidien ». Le travail de Guiselle avec le studio d'architecture, d'intérieur et de mobilier Santa Furia se caractérise par une approche de la couleur moins tendance mais pertinente, avec des verts profonds à la maison à côté de rouges éclatants, comme dans Espejo Opal (Opal Mirror).

Quelle est la leçon la plus précieuse que vous ayez apprise dans votre travail et que vous souhaiteriez transmettre à quelqu'un qui débute ?

"La leçon la plus précieuse que j'ai apprise dans mon travail de designer est d'apprendre le design et différents sujets en dehors du milieu universitaire, et d'essayer d'avoir une pratique consciente sur les raisons pour lesquelles vous faites ce que vous faites. Lorsque vous êtes conscient de votre processus de conception et que vous commencez à regarder votre environnement, vous pouvez apprendre des autres personnes, lieux et expériences. Et ces expériences personnelles sont celles qui vont différencier votre travail des autres.

L'œuvre intemporelle de Sebastian Bidegain exposée.

Sébastien Bidegain

La simplicité est trompeuse dans le travail du fondateur de Voidfill Studio, Sebastian Bidegain - les formes apparemment familières qui guident son travail sont nées d'une connaissance approfondie de l'impression 3D, du design historique et d'un clin d'œil subtil au lien de sa famille avec Mexico. Le travail de Sebastián est contemporain sans s'inscrire dans des tendances éphémères, avec des pièces qui ne manqueront pas de devenir des classiques qui résistent à l'épreuve du temps et couvrent des objets, des meubles et des textiles. Découvrez ses lampes Loft magnifiquement géométriques, fabriquées à partir de filaments d'acide polylactique et de béton coulé.

​​Quels défis de carrière avez-vous surmontés dans votre cheminement jusqu'à présent ?

« Il y a environ deux ans, j'ai décidé de changer complètement de carrière, de la médecine au design. C'était intimidant de se lancer dans quelque chose d'aussi radicalement différent sans aucune éducation structurée ou formation formelle, mais je suppose qu'il n'y a vraiment pas de bonne ou de mauvaise façon de commencer à concevoir quelque chose.

J'ai commencé à apprendre tout ce que je pouvais sur le design et la fabrication numérique, en rencontrant et en discutant avec autant de personnes que possible sur la construction d'objets, l'éclairage et le mobilier. Une chose a conduit à la suivante et je me suis finalement retrouvé avec une base stable, des étapes suivantes claires et des compétences pour créer réellement les choses que je rêve.

Sophie Collé dans son loft à Brooklyn, New York.

Sophie Collé

La couleur est le point de départ du travail vibrant de Sophie Collé, qui présente des formes sinueuses et ressemblant à des flaques trempées de néons et de pastels vibrants. La créatrice basée à Brooklyn dirige sa propre entreprise et gère elle-même la production avec une petite équipe. Les tables d'appoint en forme de goutte de Sophie, les étagères mobiles et les accessoires souvent imprimés de vaches mettent tous l'accent sur "l'humour, la personnalité et le jeu". Gardez un œil sur la boutique en ligne de Sophie, où de nouvelles gouttes d'objets aux couleurs comme la mandarine, le beurre et le nuage sortent régulièrement.

Y a-t-il des jalons de carrière dont vous êtes particulièrement fier ?

« Je viens de franchir la barre des deux ans d'activité officielle, et c'est très spécial. J'ai commencé mon studio alors que j'étais encore employé dans mon précédent travail de design d'intérieur, et je l'utilisais comme coussin à l'époque. J'ai quitté cet emploi et j'ai passé beaucoup de temps à débattre de l'opportunité de vraiment sortir seul. Il y a eu beaucoup d'obstacles, mais c'est le travail le plus gratifiant que j'aie jamais fait : construire des meubles pour des personnes avec qui je suis en contact direct et construire une communauté d'artistes qui ont tous des objectifs et une éthique similaires. J'ai également déposé des impôts sur les sociétés cette année, ce qui était doux-amer.

Une des lampes coquines de Matthew Li.

Matthieu Li

Faisant partie d'une nouvelle génération de jeunes designers brouillant les frontières entre le design, les explorations de matériaux et la sculpture fonctionnelle, Matthew Li fabrique des meubles et des produits qui prouvent que vous n'avez pas à choisir entre la forme et la fonction. "Je veux faire des choses qui ont un sens de permanence et de durabilité dans le temps sans renoncer à la complexité et à la délicatesse", dit-il. On aime particulièrement le porte-papier hygiénique du designer new-yorkais, fabriqué en contreplaqué et en PVC, un peu comme si Donald Judd ou Tom Sachs avaient décidé de se lancer dans la quincaillerie de salle de bain.

À quoi ressemble le futur du design pour vous ?

« J'ai toujours à la fois peur et enthousiasme pour l'avenir du design. Des créations comme DALL-E d'OpenAI sont étonnantes et inspirantes mais aussi terrifiantes dans la façon dont elles pourraient être utilisées. L'automatisation constante des processus de conception donne toujours de nouveaux bonds en avant pour tout le monde, mais elle peut aussi permettre aux personnes au pouvoir de profiter davantage des autres, et elle peut également diluer la liberté de créativité des gens. Dans l'ensemble cependant, je ne pense pas que les mauvaises choses à propos de l'avenir du design soient inhérentes à l'avenir du design, plus simplement à l'état du monde, c'est pourquoi je suis excité pour cela - je veux mettre la main sur tout les nouveaux outils, et peut-être même développer des outils pour les autres.

Un portrait de l'artiste Isabel Rower.

Isabelle Rameur

"Design" semble trop limiter un mot pour décrire l'embellissement dynamique d'Isabel Rower, une artiste basée à New York qui fabrique à la fois des objets en céramique fonctionnels et des meubles à grande échelle ornés d'illustrations tourbillonnantes qui attirent le spectateur pour un examen plus approfondi. Une grande sculpture souple de couleur crème d'Isabel a été présentée dans l'ancienne maison de Kim Kardashian et Kanye West. Son travail a également été exposé à la Superhouse Vitrine, qui présentait une gamme d'œuvres de design non binaires et identifiées par des femmes dans l'exposition "Ingrained". La vaste gamme de céramiques d'Isabel peut être vue dans sa boutique.

Quelle est la leçon la plus précieuse que vous ayez apprise dans votre travail et que vous souhaiteriez transmettre à quelqu'un qui débute ?

"Je me souviens que lorsque je faisais des recherches sur le travail de JB Blunk, j'ai lu un essai qui soulignait non seulement l'importance de l'influence artistique d'Isamu Noguchi sur lui, mais aussi l'importance de leur profonde amitié personnelle et la manière dont Noguchi l'a accueilli dans son communauté artistique et a finalement défendu sa carrière. J'ai l'impression qu'il y a eu ce récit mythique de l'artiste ou du créateur "solo", qui peint l'image de l'artiste seul dans son atelier, générant d'énormes corpus d'œuvres uniquement pour lui-même. Non seulement cela efface souvent les armées d'assistants que les artistes emploient, mais cela contribue également à souligner l'importance d'avoir [une] communauté. Même si je suis toujours en train de trouver ma place en tant que créateur et artiste, trouver une communauté avec d'autres artistes et créateurs a vraiment été ce qui m'a aidé à me trouver.

Un tabouret multicolore par Uzumaki Cepeda.

Uzumaki Cepeda

L'artiste Uzumaki Cepeda, basé à Los Angeles, qui franchit la frontière entre la sculpture et les objets fonctionnels, explore "comment les sentiments de sécurité, de confort et d'agence sont négociés à travers les objets et l'espace". Son travail immersif implique souvent des formes vêtues de fourrure qui éblouissent de couleurs brillantes, presque psychédéliques, évoquant un clin d'œil pertinent à l'ère Y2K tout en explorant notre relation avec les espaces domestiques. Uzumaki représente le nombre croissant de jeunes artistes et designers qui n'ont guère l'intention de se cacher derrière leur travail, choisissant plutôt de laisser leur vie et leurs styles personnels améliorer le monde qu'ils construisent. Elle a attiré l'attention de publications comme Forbes, a joué dans des campagnes pour des marques comme Ugg, a créé des installations pour des espaces tels que le bureau d'Instagram à Menlo Park, et sa vision des "bâtiments à fourrure" est allée jusqu'au Japon. Nous sommes particulièrement attirés par ses tabourets, qui feraient un excellent compagnon à fourrure pour votre maison. \

Quelle est la leçon la plus précieuse que vous ayez apprise dans votre travail et que vous souhaiteriez transmettre à quelqu'un qui débute ?

"La leçon la plus précieuse que j'ai apprise est de le faire. Même si vous faites une erreur, [cela] pourrait vous mener à votre prochaine meilleure idée.

Un portrait du conservateur Armando Quintana.

Armando Quintana

Pour Armando Quintana, le nouveau partenaire collectionneur de la galerie Casa Gutiérrez Nájera, à Querétaro, au Mexique, repenser la façon dont le design de collection est produit et exposé est essentiel pour changer le monde du design pour le mieux. La galerie propose un large éventail de designs de collection de designers mexicains ainsi qu'une liste internationale croissante, et Armando s'efforce de renforcer les liens entre les designers, les collectionneurs et les équipes de production afin de rendre les processus de conception au Mexique et au-delà plus équitables pour toutes les personnes impliquées. Nous aimons particulièrement ces ensembles de vases nature morte d'Edgar Orlaineta et ces ensembles de sièges de Perla Castañón et Local Industries.

À quoi ressemble le futur du design pour vous ?

« Le design est encore une discipline très élitiste. Je suis souvent la personne la plus jeune et la plus foncée des cercles dont je fais partie. Ce serait très important de voir ce changement. Au Mexique, les carrières en design sont pour la plupart accessibles à très peu de personnes. Comme il n'y a pas vraiment de système en place sur lequel les designers pourraient compter pour la production et la commercialisation de leurs pièces, seuls ceux qui peuvent financer ces processus finissent par voir le design comme une opportunité de carrière réalisable. Je souhaite que le futur du design soit plus diversifié, mais aussi que le design en tant que discipline soit plus responsable. Le design doit apporter de la valeur et une qualité de vie à tous ceux qui le rencontrent - ceux qui s'approvisionnent en matériaux, qui gèrent les déchets à la fin de sa vie fonctionnelle - et pas seulement l'utilisateur final.

Un tabouret à pieds ondulés par Nathanael Tito Gonzalez.

Nathanaël Tito Gonzalez

Un peu psychédélique, un peu ludique et totalement LA, le travail de Nathanael Tito Gonzalez est quelque chose du meilleur type de rêverie d'abduction extraterrestre. Dans ses supports promotionnels, des tables d'appoint sont photographiées s'envolant dans l'espace à côté d'empreintes de formes mystérieuses apparaissant dans le ciel au-dessus du panneau Hollywood. Son entreprise, Tito Art and Design, a été lancée en 2020 après avoir quitté le monde du design industriel. Un large éventail de meubles, de décorations et d'estampes d'art vraiment originaux et charmants sont disponibles sur son site Web.

Quels défis de carrière avez-vous surmontés dans votre cheminement jusqu'à présent ?

« J'ai toujours pensé que je serais designer automobile. Depuis que je suis enfant, je dessinais des voitures, et certains de mes plus beaux souvenirs sont le dessin alors que je m'ennuyais lors d'un sermon à l'église. Mais peu de temps après avoir obtenu un diplôme en design de transport à ArtCenter, j'ai réalisé que l'industrie automobile n'était pas pour moi. C'est trop conservateur. Et pourtant, basculer vers une industrie différente était extrêmement difficile et éprouvant sur le plan émotionnel. Mais après quelques introspections, j'ai trouvé une autre grande passion dans la conception de meubles. Depuis lors, j'ai fleuri et grandi immensément en tant que créatif. Parfois, en tant que designers, ou tout simplement en tant qu'humains, nous sommes pris dans des concepts de qui nous « devrions » être, et donc ne nous laissons pas être qui nous sommes vraiment. Bien que ce soit difficile, c'est vraiment libérateur de nous permettre d'être qui nous sommes et qui nous pouvons être.

Un portrait du designer contemporain KG MacKinnon.

KG MacKinnon

Il est passionnant de voir les traditions de conception de la menuiserie se perpétuer sur le marché du design contemporain, en particulier lorsqu'une discipline comme la menuiserie traditionnelle peut être adaptée pour incorporer une perspective de conception contemporaine. KG MacKinnon de Līmen Studio se spécialise dans les armoires et les meubles sur mesure et faits à la main, s'engageant dans un processus «significatif et collaboratif», comme cette étagère murale pleine en bois de frêne. "Notre vision est celle que nous construisons ensemble", partage KG sur le site du studio, "pas pour nos clients mais avec nos clients".

À quoi ressemble le futur du design pour vous ?

« Je pense que l'avenir du design est le retour de l'artisanat. S'éloigner de la dissimulation du processus et viser à rendre le processus intégral. »

Un paysage de table de rêve issu de l'une des expériences culinaires intimes que Luis Felipe Rojas Molina organise à travers Tabula Rasa.

Luis Felipe Rojas Molina

Il n'y a pas de titre unique pour résumer la variété du travail que Luis Felipe Rojas Molina crée en tant que styliste d'intérieurs et de table, directeur artistique et décorateur. Aux côtés de son partenaire, José Ángel González, les artisans créatifs interdisciplinaires créent des expériences culinaires intimes à travers leur projet Tabula Rasa dans leur espace intérieur-extérieur à Tlalpan, un quartier du sud de Mexico. Les repas sont accompagnés d'arrangements floraux utiles, de céramiques élégantes et d'un décor à la fois traditionnel et contemporain. Une occasion vraiment spéciale de s'engager dans la culture de Mexico en dehors du centre-ville, les réservations peuvent être faites directement via leur page Instagram.

À quoi ressemble le futur du design pour vous ?

« Je crois que l'avenir du design se dirige plus fortement vers des exercices qui repensent les limites et cherchent à redéfinir ce qui est essentiel pour nous. Nous sommes sur une voie de conception diversifiée et axée sur les possibilités de connexion humaine.

Un portrait de l'artiste Sean Desiree.

Sean Désirée

Sean Desiree, un artiste autodidacte, né et élevé dans le Bronx, mélange l'artisanat, l'art et le design par le biais du travail du bois, créant des structures et des objets "qui servent de sanctuaires, de protecteurs et de symboles d'autonomisation pour BIPOC" et prenant partie d'un important mouvement historique et contemporain d'artistes utilisant des objets fonctionnels pour explorer des contextes culturels et sociaux. Sean, boursier Leslie Lohman 2021-2022 et futur résident en 2022 au Massachusetts Museum of Contemporary Art, produit un travail qui illustre comment le design peut transcender la fonctionnalité et devenir quelque chose de plus grand et de plus percutant. Nous sommes particulièrement attirés par leur série de tables et de sièges, qui présente des formes géométriques entrecroisées qui s'emboîtent parfaitement.

Quels défis de carrière avez-vous surmontés dans votre cheminement jusqu'à présent ?

« Le financement initial nécessaire à l'achat d'outils a été mon premier défi. Deuxièmement, étant autodidacte, j'ai dû surmonter une courbe d'apprentissage abrupte pour amener mes compétences au niveau de mes idées de conception. Actuellement, mon plus grand défi est de trouver et d'être sélectionné pour des opportunités de présenter mon travail au sein de la communauté du design.