8 créatifs AAPI sur la pertinence du patrimoine

Je pourrais reprendre un article entier couvrant l'existence compliquée de mois consacrés à l'identité - ils célèbrent et symbolisent, reconnaissent et réduisent. Après tout, nous ne pouvons pas condenser la culture ou l'histoire en 31 jours, parfois moins, en nous félicitant des infographies du Mois du patrimoine des Américains d'origine asiatique et des îles du Pacifique partagées les jours d'ouverture et de clôture.

La communauté AAPI n'est pas un monolithe. Les Américains d'origine asiatique comprennent environ 50 groupes ethniques; et les Sud-Asiatiques sont souvent laissés de côté par les emballages patrimoniaux traditionnels de ce mois-ci. Une chose que nous pouvons faire pour reconnaître cette ampleur est de mettre en valeur les artisans qui viennent d'une multitude d'horizons et de démontrer que - du feutrage à la mode en passant par la nourriture - la communauté créative AAPI est présente et florissante.

Ci-dessous, nous avons présenté le travail de conception de brillants créatifs des communautés AAPI du monde entier. Au cours de discussions sur la façon dont le patrimoine informe leur travail, ces artistes m'ont parlé à travers leurs différents médias tout en superposant des instantanés de leur ascendance. De la description des techniques de feutrage de la toile au partage de l'histoire de l'encens comme marqueur du temps, considérez ceci comme une invitation à prolonger votre existence en tant qu'éponge culturelle au-delà du mois de mai.

« Onam » a été présenté dans « Last Call » de Bradley Ertaskiran, une exposition collective organisée par Danny Báez. Laine feutrée à l'aiguille sur feutre industriel, 36 x 48 pouces.

Mélissa Joseph

"Je ne pense pas que vous puissiez être brun en Amérique et ne pas penser à votre [héritage] ou avoir un impact sur ce que vous faites", déclare la créatrice d'objets et artiste multimédia Melissa Joseph. Son père a immigré du Kerala, en Inde, au début des années 70 en tant que chirurgien et a épousé sa mère, de Pittsburgh, en Pennsylvanie, quatre ans plus tard. Melissa a toujours eu une affinité pour l'art - elle a suivi des cours d'art de premier cycle à NYU et a même poursuivi un programme d'associé à FIT en textile - mais a finalement choisi la maîtrise plus «pratique» en éducation et a commencé à enseigner partout dans le monde.

Les choses ont changé lorsque le père de Melissa est décédé dans les six semaines suivant un diagnostic de cancer. "Cela a changé ma conception du temps", se souvient-elle. Peu de temps après, Melissa a choisi d'obtenir un MFA à la Penn Academy of Fine Art. C'est là qu'elle a commencé à expérimenter des pièces multimédias, imprimant d'abord des photos de famille sur la soie indienne qui lui était familière via l'ameublement et les vêtements locaux du Kerala.

Melissa a ensuite appris à feutrer pendant la pandémie, qu'elle utilise maintenant en conversation avec d'autres matériaux, comme l'argile. Pour l'artiste, « commencer avec un matériau et finir avec un autre » reflète son propre sentiment en tant que personne avec une demi-famille un océan plus loin en Inde ; le « matériel » reliant les points de sa vie n'était pas de l'argile ou du feutre, mais des appels téléphoniques longue distance ou des visites occasionnelles en Inde. Elle partage également le fait que, parallèlement à son ascendance, son identité de genre informe beaucoup son travail. "Parce que je vis dans un corps de femme BIPOC, cela colore vraiment ma façon de voir tout", explique-t-elle. "Cela signifie quelque chose pour mon corps de faire du travail dans la fibre parce que, historiquement, c'était un métier relégué aux corps féminins qui étaient à la fois ignorés et ignorés. "

Les galeries qui présentent le travail de Melissa partagent souvent sa mission et son sens de ce sens plus profond. Ses portraits au feutre ont été exposés à RegularNormal et à la Hannah Traore Gallery, deux espaces renommés qui concentrent la communauté et des voix diverses, et son travail est également présenté dans l'exposition actuelle de Jeffrey Deitch, Wonder Women, une exposition de femmes exclusivement asiatiques et d'artistes non binaires. Melissa présente également des œuvres de son défunt père – qui utilisait des vésicules biliaires pour faire des collages en tant que pratique extérieure – à la Soloway Gallery de Brooklyn ce mois-ci.

Une vue d'installation de Guo Pei: Couture Fantasy, Legion of HonorAtmosphere à FAMSF à San Francisco, Californie.

Guo Pei

Connue pour avoir conçu la robe Met Gala de Rihanna en 2015, Guo Pei a une longue carrière dans la couture qui a culminé avec sa propre exposition, actuellement présentée aux Fine Arts Museums de San Francisco. La créatrice de mode de 55 ans a commencé à soutenir les travaux d'aiguille de sa mère à Pékin et a passé ses 30 dernières années à tout faire, de la présentation sur des scènes comme la Semaine de la haute couture à Paris à la conception de costumes animés pour la déesse de la lune de Over the Moon de Netflix. Surnommée « la reine de la couture de Chine » et « la plus haute couturière de Chine », Guo dit que les traditions et la culture chinoises sont au centre de ses créations « comme le sang qui coule dans ma vie ». Qu'il s'agisse des histoires de sa grand-mère au coucher sur la broderie de soie papillon ou de ses visites d'enfance à la Cité interdite et à l'ancien palais d'été (Yuanmingyuan), les souvenirs de Guo sont physiquement tissés dans son travail.

Megumi Shauna Arai, partage l'inspiration derrière ses textiles innovants dans son studio à Brooklyn, New York.

Megumi Shauna Arai

Megumi Shauna Arai a grandi entre Tokyo, où vit son père, et les États-Unis, d'où sa mère est originaire. Lorsqu'on lui a demandé si son héritage juif japonais informe son travail textile délicat, sa réponse est simple : « Comment cela pourrait-il ne pas l'être ? Notre expérience vécue, c'est l'une des choses les plus puissantes que nous ayons. Enfant, Megumi était assez tactile - elle jouait avec l'impression à la gélatine argentique et était attirée par le rouet, en particulier par ce qu'elle ressentait lorsqu'elle l'utilisait. "Sa [nature] méditative, lente et répétitive", dit-elle, "a toujours été l'état que je préfère quand il s'agit de faire de l'art. "

Ce n'est pas par le biais d'un diplôme technique, mais d'une résidence en 2015 à Shikoku, au Japon, que Megumi a commencé à apprendre à faire de l'origami washi traditionnel, ou fabrication de papier japonaise. Ce « processus fibreux » l'a ramenée à cet amour d'enfance pour le textile, et elle se concentre maintenant sur l'introduction de la pratique du boro (japonais pour « chiffons » ou « lambeaux ») dans le présent avec des teintures naturelles. En fin de compte, pour Megumi, son travail consiste à "incorporer tout le spectre d'influence et d'héritage", c'est pourquoi elle combine des tissus japonais et d'Europe de l'Est dans son patchwork.

Vue d'installation de la Gallery at Stone Barns organisée en collaboration avec Object & Thing, mars-mai 2021, Pocantico Hills, New York.

Shaina Yang

Selon l'artiste Shaina Yang, elle a eu deux enfances. En tant qu'enfant de deux immigrants sino-américains, elle a passé la première moitié de son éducation à Seattle, entourée d'enfants qui ne lui ressemblaient pas mais parlaient sa langue, et la seconde dans la ville natale de ses parents, à Shanghai, entourée d'enfants qui ressemblaient à elle mais ne partageait rien sur le plan culturel ou linguistique. Avec des architectes pour parents, Shaina se souvient des costumes d'Halloween en papier calque, de la coloration avec des marqueurs utilisés pour les rendus pré-logiciels et d'une maison «remplie à ras bord» d'origami, d'artisanat en papier et de Lego.

Shaina a d'abord étudié la philosophie, la politique et l'économie à Oxford, écrivant de la fiction pendant son temps libre et flirtant avec une carrière universitaire. Finalement, ses «intérêts de longue date pour l'activisme avaient pris le dessus spécifiquement dans les diverses crises du logement», ce qui l'a amenée à quitter cette carrière, à quitter Londres et à déménager aux États-Unis pour une maîtrise en architecture à la Harvard Graduate School of Design. . Les projets de Shaina vont des domaines construits pour une communauté de personnes en fauteuil roulant ("Cripping Architecture") à un plan actuel qui la voit conceptualiser des modèles de vie au-delà de l'unité nucléaire ("The Anti-Nuclear Family").

Pour Shaina, la façon dont elle a été élevée, avec sa famille élargie dans sa vie quotidienne - un concept vivant qui reflète de nombreuses cultures asiatiques - informe d'autres façons de penser les maisons et les espaces qu'elle construit. Mais elle partage également le fait que la question de savoir comment le patrimoine informe son travail mérite une réponse plus complexe et plus compliquée : « L'architecture a longtemps été un outil de l'État colonial violent, rasant les villages de nos ancêtres, les remplaçant par des structures conçues pour être aussi permanentes. car ils sont étrangers.

Le récipient Martram est décoré de tiges de fleurs et de bougies.

Prinita Thevarajah

Prinita Thevarajah décrit sa pratique du verre comme les origines de sa famille. Sa famille est partie en Australie depuis le Sri Lanka à la fin des années 80 pour demander l'asile, et son origine tamoule a été renforcée par la défense de la solidarité autochtone à l'étranger. Elle a « toujours vu la communauté comme un pilier dans la navigation dans la vie », et c'est à elle qu'elle remercie pour sa capacité à faire carrière dans son art.

Tout a commencé en 2019, lorsque Prinita a commencé à suivre des cours à Urban Glass à Brooklyn pour apprendre à fabriquer des enseignes au néon. Au fur et à mesure que la fabrication du verre devenait plus familière, elle est passée du moulage d'enseignes à la torsion de tubes de verre autour de ses mains en tant que sculptures, ce qui a rapidement attiré l'attention de ses abonnés Instagram. Ce processus a évolué vers la création de Kapu, qui signifie bracelet en tamoul, où elle vend des bijoux et des récipients ludiques qui imitent ses sculptures tubulaires originales. Prinita souligne qu'elle a évité de s'identifier exclusivement comme une artiste tamoule, sri-lankaise ou sud-asiatique, déclarant qu'elle pense que son travail est "bien plus que cela".

La nature multiforme de l'artiste informe un travail qui contraste fortement l'exposition à la guerre, au "dysfonctionnement et à la violence", avec des pièces "simples" et "pures" qui prennent la forme de papillons en verre présentés dans les cafés locaux, ou de boucles d'oreilles en terrazzo qui lui rappellent l'Inde. "J'ai pu transformer quelque chose qui était décousu - et pas vraiment abstrait - en une marque fonctionnelle", explique Prinita. « Et c'est ce qu'ont fait mes parents : les migrants, les demandeurs d'asile, les colonisés qui ont dû quitter leur pays, ils ont dû repartir à zéro.

Le design culinaire pour l'ouverture de Montaigne de LOEWE à Paris, France.

Imogen Kwok

Le travail d'Imogen Kwok existe au sein de cette intersection particulière entre la nourriture et l'art, où l'assiette est en effet comestible, mais le destinataire hésite à détruire la pêche ou la tarte décadente devant lui. « Je traite chaque table et chaque plat comme une nature morte », explique Imogen à propos de son approche des expériences culinaires. "La nourriture est la façon dont j'ai choisi de m'exprimer de la même manière qu'un écrivain ou un peintre. "

Le chef rencontre l'artiste a quitté son éducation à New York pour étudier l'histoire de l'art à St. Andrews en Écosse, mais un désir tenace de poursuivre quelque chose de plus tactile après l'obtention de son diplôme a conduit Imogen à l'école culinaire. Sa carrière qui a suivi a couvert à la fois le monde de la restauration (travaillant dans des établissements de base renommés comme Blue Hill Stone Barns et Eleven Madison Park) et la scène de la styliste culinaire, où elle a participé à des tournages de photos et de vidéos culinaires pendant près de quatre ans. Depuis lors, Imogen a fait évoluer son métier et s'associe à des galeries ou à des entreprises de mode, créant ce qu'elle appelle des «réponses culinaires» aux œuvres.

Des vitraux aux mosaïques en passant par les peintures de László Moholy-Nagy, les références d'Imogen en matière de design alimentaire se concentrent sur des visuels et des textures saisissants, ces derniers étant, selon elle, issus de son héritage. "Ce que j'ai retenu des deux côtés [de ma famille, chinoise et coréenne], c'est une appréciation très particulière de la texture et du" mordant" de certains ingrédients", partage-t-elle, citant la mastication du tteokbokki, manipulant sa bouche autour de pièces de rechange. côtes levées et le fait que votre grand-mère sélectionne le « meilleur morceau de joue de poisson ». Cette intentionnalité est ce qui marie la nourriture et le design pour Imogen et se répercute à travers son travail méticuleux.

Un paysage de table de la configuration complète de l'encens de Hyungi Park.

Parc Hyung

Hyungi Park a grandi avec une affinité pour l'espace numérique, des cours de programmation informatique avec sa mère à l'âge de 10 ans à la création de Powerpoints pour les rapports de livres scolaires. Elle s'est intéressée aux ordinateurs et au design et a décidé de poursuivre la sculpture à VCU Arts, où son histoire d'encens et de fabrication artisanale a commencé à s'épanouir.

Ce qui a commencé avec l'encens dans des performances et des installations s'est transformé en une profonde curiosité quant à ses origines. Elle a commencé à façonner l'encens en fleurs ou en bâtons tressés, des torsions sur l'encens traditionnel en cône. "Je crée ma propre fusion de traditionnel-moderne-américain-coréen-abstrait-Frankensteined", dit-elle.

Tout en développant son travail, Hyungi est également devenue fascinée par la manière dont différentes cultures asiatiques appliquaient l'encens, citant en particulier comment les geishas utilisaient la combustion de l'encens pour indiquer le coût de leur divertissement et comment les familles de la classe ouvrière chinoise la laissaient être leur version d'un réveil. D'une certaine manière, l'encens était un vecteur d'éducation, et Hyungi a poussé ce mode d'apprentissage un peu plus loin en ouvrant la vitrine Baboshop à Los Angeles. L'espace est devenu une plaque tournante pour les artisans émergents, avec des ateliers qui couvrent certaines des dernières formes autodidactes de Hyungi, qui s'étendent désormais à la reliure, à la découpe au laser et au tatouage.

Un gâteau personnalisé inspiré des couleurs d'un tableau d'Arcmanoro Niles.

Amy Yip

Vous reconnaissez probablement les gâteaux d'Amy Yip sur sa page Instagram toujours aussi diffusée, @yip. studio. Entre les œuvres vertes moussues et rocheuses et les morceaux grumeleux recouverts de fraises et de rouges vifs, Amy s'est créé un nom en matière de pâtisserie esthétique. La native de Nouvelle-Zélande vient de parents boulangers et a en fait évité le cheminement de carrière au début, après avoir vu tout le travail physique qui a été investi dans l'entreprise de sa famille. Elle a commencé à l'école d'art puis a travaillé comme designer textile pendant six ans; mais quand elle a finalement "découvert un moyen de connecter [l'art et la pâtisserie]", Amy est devenue fascinée.

Près de deux ans plus tard, Amy a commencé sa pratique. La géométrie rocheuse de ses gâteaux est assez intentionnelle, dérivée de l'enthousiasme de sa mère pour les cristaux ; elle s'inspire aussi souvent des fleurs présentes lors d'événements où elle est la partenaire pâtissière. La conception des gâteaux d'Amy n'est que le début, car les profils de saveur couvrent le yuzu shiso, la rose oolong et le litchi, le beurre noisette et la patate douce japonaise, et plus encore. "J'ai toujours voulu des gâteaux d'inspiration asiatique pour mon anniversaire, [mais] c'était toujours difficile de trouver ces gâteaux et ces textures", dit-elle.

Non seulement le studio d'Amy vante les saveurs de son héritage, mais Amy partage qu'elle a intentionnellement utilisé son nom de famille pour l'entreprise. Pendant qu'elle grandissait, ses parents ont choisi de donner à leur propre entreprise le nom d'un habitant de la Nouvelle-Zélande. au milieu des années 90, elle n'était pas aussi fière ou vocale sur son identité que 66% de Chinois et 33% de Vietnamien. "Je voulais un nom de famille différent, comme Smith - je voulais me fondre dans la masse", dit-elle. Maintenant, elle est heureuse "de prendre quelque chose dont j'étais gênée et de montrer à quel point je suis fière".